【摘要】演奏者通常在研习一部作品时，如果重视音乐处理的各种细节，如音乐风格、性质、结构、节奏、旋律、情绪变化等综合条件，在此过程中据其观察、理解与认识，所对应的音乐的组织、技巧的配合也具备周密的考虑和准备，这些因素融汇于学习过程中，使头脑和机能更具条理性和协调性，使演奏中的音乐阐释和完成过程更具艺术性和逻辑性，达到真正的演绎目的。

　　【关键词】钢琴；教学；音乐逻辑；表达

　　一个启蒙老师的重要性并不在于告诉学生某个简单的答案，而是能够启发他们思考，激发他们在音乐上的想象力、创造力，让他们理解规则背后的道理。比如，只告诉学生要怎么做，可能遭到逆反的回应，但如果跟学生讲道理，让学生明白为什么要这么做，则可能收到不错的效果，学生不仅记得清楚，而且还可能主动想出其他好的办法来。

　　一、音乐表达能力

　　在钢琴教学过程中，除了音乐和文化理念外，钢琴教师从学生坐在琴凳上的第一课开始，就要让他们感到，一切所谓的规定、技术都是为实际演奏的需要服务的，也就是说，是为音乐服务的。只要音乐需要，那些规则有时是可以不必恪守的。当然，前提是音乐需要。比如，坐姿。关于在琴凳上坐得多高才合适，一般认为是手臂（前臂）与琴键基本持平，或略高于键盘。这样弹起来会比较省力。但相反的例子很快出现：钢琴大师古尔德演奏时习惯于坐矮凳子，而且是带靠背的凳子。这比较奇葩，和通常的习惯并不一致，但也没什么。因为这是他演奏音乐的方式。你的音乐能够说服人，你的习惯就可以得到尊重，音乐是衡量的标准。因此，教师可以告诉学生：我们那么要求是习惯做法，是大多数人实践之后觉得更为科学、方便、可行的方案，但可以因人而异。如果你觉得坐得更低更有利于力量的传达、演奏的顺利（也确实有越来越多的人采用这样的方法），也可以这样。完全可以在练琴的过程中不断地试验弹奏感觉，调整琴凳高度、手臂感觉。这其实也是告诉学生：思辨和怀疑，尝试和突破，这种思想可以也应该一直贯穿于学习的过程中。学琴者应当坐在中央的对面，因为这样可以兼顾高低音区，当然也不绝对，只要音乐表达连贯、顺畅就可以了。

　　坐琴凳时，一般不要太满，可以坐凳子的三分之一或再多一点。原则是你既能稳定地坐在琴凳上演奏，也能够随时移动身体的重心。琴凳如果坐得太满，稳当是稳当了，但重心基本就在琴凳上了，不利于力量的转移；如果坐得太浅，则不容易稳，力量也缺少回旋的余地。弹钢琴固然用手弹，但也需要调动全身的力量。根据音乐的需要，用手指的力量、手臂的力量，还可以加上身体的力量来演奏。怎么把身体的力量用上呢？这就需要灵活移动身体的重心，把它及时转到琴键上。这种调整和转移，依演奏者的习惯，有的人可能动作很小，几乎看不到外形的太多变化；有的人可能动作幅度较大，人们可以清晰地看到其肢体的起伏。这是演奏风格的不同，但都没关系，只要你将音乐表达好了，就可以了。只要坐姿不影响演奏，便于手臂的舒展，利于力量的放松，适于重心的转移，都可以尝试的。

　　还有指法。乐谱上印的指法是要遵守的，但也不是金科玉律。指法就是为方便演奏而写在谱上的，如果你的指法更易于弹奏，当然可以使用。

　　二、音乐逻辑的把握

　　音乐逻辑，实际上是指音乐各部分之间的相互关系。音乐篇章好比文字篇章。文章有逻辑，我们方能看出这一句和下一句的关系，它们说的是一个意思，还是意思递进了一步，或者发生了转折。几句构成了一个段落，那么这一段和下一段又有什么关系？它们的意思是并列、递进，还是转折？或者仿佛完全另起一篇，说起了一个分支。文学的布局好像画一幅画，你看见树枝、树叶，不要忘了它们在树干上，它们还有深埋的根。你看见了这棵树，交织在其中的树枝可能来自旁边其他的树木。那又是一种不同的植物，但与它有着相似之处和紧密的关联。放眼看去，你会感受到它与周围远近的树木花草，甚至蓝天白云的关系：它们未必全然画出，有着不同的侧重，但在一幅画中，比例协调：如果人们看不出这些景物有什么关系，只是简单拼凑在一起，那么画作会缺少一定的吸引力；如果读者发现不了一篇文章的句与句、段与段之间有什么关联，那些段与句彼此无牵无挂，那么这则文字必然缺少了张力；如果演奏者体会不到所弹乐曲的音乐逻辑，感受不到音乐内部的脉动，那么又怎样能较好地传递出音乐的神韵呢？

　　可见，教师在教学生弹钢琴的过程中，应当重视对音乐逻辑的启迪。比如讲解传统音乐中四句的起承转合，学生会更感受到音乐的流动：音乐是怎样承接上一句，如何在下一句转折，又怎样最后回归。当注意到音乐的这些不同，学生做出相应的力度、色彩等变化，便是水到渠成，不是为了音乐表现而表现。